Días de vino y rosas

Días de vino y rosas

Del gran director Blake Edwards, esta película es un gran clásico, debido a la profundidad del tema tratado (alcoholismo) y la gran actuación de los dos protagonistas.


Joe Clay (Lemmon) es un empleado de una empresa de publicidad, en la cual debe organizar fiestas para su cliente. En este mundo de fiestas nocturnas, Joe vive tomando licor, al punto de llegar tarde a la oficina para su trabajo diario. En esta situación conoce a Kirsten Arnesen (Lee Remick), de quien se enamora profundamente y con la cual se casa, matrimonio del que nace una niña.

La trama se va complicando en la medida en que Joe cada vez consume más alcohol y se aleja más tiempo de casa, llevando a Kirsten a una situación de soledad, por lo que ella busca refugio en el alcohol.

El alcoholismo es tratado desde diferentes ángulos, posibles causas: soledad, niñez, predisposición congénita. Cómo lo enfrenta su víctima: reflexión, cobardía, propósito de dejarlo. Recaídas, posición facilista ante el problema.

La caracterización de Lemmon es grandiosa: La escena donde se encuentra amarrado dentro de una camisa de fuerza es magnífica. Igualmente importante la escena de la búsqueda de la botella de whisky dentro del invernadero. La actuación de Lee Remick también es excelente. Dos personajes perfectamente caracterizados por estos dos actores.

El título de la película es tomado de unos versos del poeta inglés Ernest Dowson (1867-1900) quien premonitoriamente recita Kirsten al principio del film:

Ernest Dowson

La breve duración de la vida nos prohíbe albergar esperanzas largas (Horacio).

No duran mucho, el llanto y la risa,
El amor y el deseo y el odio;
Creo que en nosotros no queda rastro de ellos
Una vez que cruzamos la puerta.

No duran mucho, los días de vino y rosas:
Surgiendo de un sueño brumoso,
Nuestro sendero aparece un instante; luego se cierra
Dentro de un sueño.

Heredarás el viento (Inherit the Wind)

Comentario por: Gloveta

Historia enmarcada en un pequeño pueblo del sur de los Estados Unidos llamado Hillsboro, donde el fanatismo religioso auspiciado por el alcalde y el pastor Jeremiah, no permite a sus habitantes ver más allá de sus narices. Para estos parroquianos todo lo que sea diferente a la Biblia y su doctrina es cosa del diablo.

Esta película de 1960, parte de  una obra de teatro estrenada en 1955, escrita por Jerome Lawrence y Robert Edwin Lee. Basada en hechos reales – el juicio a Scopes (el juicio del “Mono”) que tuvo lugar en 1925, en Dayton, Tennessee. Toma su título del  Libro de los proverbios 11:29:

El que perturba su propia casa heredará viento,

y el necio será esclavo del sabio.

La película se centra en el juicio que se llevó a cabo al profesor John Scopes por enseñar la teoría de la evolución de Charles Darwin en una Escuela Pública, pero en realidad el pobre Scopes es el menos implicado a lo largo de la película. Es la pelea entre estos dos abogados Matthew Harrison Brady (Fredric March) y Henry Drummond (Spencer Tracy), la que en realidad cuenta, y a la larga sentimos que no es la pelea entre el agnóstico y el religioso, sino que es una batalla más de fondo, lo que se lucha es por lograr poner en evidencia la tendenciosa e infame Ley “Acta Butler” que prohibía la enseñanza de toda doctrina contraria al creacionismo de la Biblia. Esta ley fue abolida en forma definitiva en 1967, bajo el racionamiento que violaba la Primera Enmienda que es la Libertad de Expresión.

De esto se trata la película, de demostrar que es más importante una “idea” de un ser humano que una “iglesia” por grande que sea. Usando los términos de los acusadores, la defensa  demuestra que si Dios le dio al hombre la facultad de pensar es porque El creyó que era bueno, y  que el hombre debe salir de la ignorancia, para aprender a juzgar. Evaluar si la teoría que está lanzando el científico es buena o mala, pensar si le afecta o no. Al final hay una escena grandiosa, en que el abogado Drummond coge los dos libros, La Biblia en una mano y “El origen de las especies” de Darwin en la otra, los sopesa, los mira y al final decide ponerlos juntos, como diciendo no se deben separar, pueden muy bien estar cerca.

El director de la película Stanley Kramer, se caracterizó durante toda su vida por su destacada labor activista y haber trabajado en temas que ayudaran a la humanidad a ver desde un punto más humano los problemas sociales. Importantes películas como “The defiant ones” (Fugitivos) en la que dos hombres encadenados escapan y deben permanecer unidos por su misma situación, en la que muy pronto aparecen los problemas raciales aun en su estado,  en “Guess who’s coming to dinner”(Sabes quién viene a cenar) toca nuevamente el problema racial, donde una joven de familia acomodada lleva a su casa a presentar a su novio, un médico negro con quien tiene la intención de casarse). Por estas y otras películas defensoras de nobles causas, se ha creado el Premio “Stanley Kramer” reconocimiento que entrega el Sindicato de Productores de América (PGA) a aquellas producciones cinematográficas que de manera más destacada abordaron el tema social.

2001 Odisea del espacio

Es la película de ciencia ficción por excelencia. Se estrenó el 6 de abril de 1968 en Estados Unidos, un año antes de que el hombre aterrizara en la luna (20 de julio de 1969). Aunque ya se habían enviado hombres al espacio y tanto Estados Unidos como Rusia tenían buen camino recorrido en estos asuntos, el director Stanley Kubrick volcó su imaginación en la realización de esta película, la cual marcó todo un hito en la historia del cine y está catalogada como una de las mejores películas de la historia. El mismo junto con Arthur C. Clarke escribieron el guión.

Arthur C. Clarke y Stanley Kubrick

La película está dividida en cuatro partes:

1) Empieza al alba en el África prehistórica hace cuatro millones de años.

2) El amanecer del hombre.

3) Misión Júpiter.

4) Más allá del infinito.

Las dos primeras partes son de la época prehistórica, cómo vivían los primeros seres que habitaron el planeta. Cómo al descubrir la herramienta el mono va evolucionando y empieza a erguirse sobre sus dos patas. También cómo puede utilizar esa misma herramienta para matar a sus congéneres.

Posteriormente en la “Misión Júpiter” se descubre un monolito de cuatro millones de años de edad en la superficie lunar. Esto acarrea toda serie de precauciones por parte de los científicos para que la información no se filtre. Tanto la Estación espacial como la Nave en que viajan los científicos son muy originales y de efectos muy bien logrados. La nave por ser totalmente redonda, obliga a los dos astronautas que van en ella a que caminen en forma giratoria sobre el piso de la misma, lo que origina que a veces tengan que caminar con la cabeza hacia abajo, pero todo dentro de la mayor naturalidad por encontrarse en el espacio. La nave es operada por Hal, un robot “casi humano” que habla con los astronautas en diálogos muy inteligentes y coordinados. Pero al tener Hal una falla y los dos astronautas ponerse de acuerdo en desconectarlo, el robot entra en pánico y decide eliminarlos; acción que lleva a cabo con un astronauta, pero el otro logra ganarle la partida a la máquina, demostrando que el hombre es más inteligente que el robot.

En esta película resaltan los efectos visuales, lo que le mereció el Óscar de 1968 en esta modalidad. La música incomparable, con melodías de Richard y Johann Strauss. La música es definitiva en la película porque muchas veces no hay diálogos y solo se escucha la música que nos transporta a través del espacio.

La película es grandiosa y la parte final es el nacimiento del “Niño de las estrellas” el cual trae un mensaje de esperanza para el futuro. Excelente!

Tiempos modernos

De las películas clásicas, esta es una de las más famosas, debido al pensamiento tan abierto y con fondo de protesta que supo imprimirle Chaplin a este film de la época de la post-guerra, en donde la depresión económica, la falta de oportunidades de trabajo, la pobreza, hacían que para muchas personas fuera imposible una vida digna.


Es fantástica la alegoría que usa en la primer parte de la película, para mostrar la alienación del ser humano, al ser utilizado como un componente más de la máquina, sin importar su fatiga, ni sus necesidades. El protagonista, un operario de una fábrica, es uno más que se encuentra parado todo el día frente a una gran banda transportadora de piezas las cuales debe ajustar, ajustar y ajustar. Chaplin se luce con esta representación de la desnaturalización humana, esta rutina que insensibiliza y le causa un ataque de stress al quedar confinado a seguir haciendo los mismos movimientos mecánicos todo el tiempo, aun después de cumplir su turno en la fábrica. Y qué diremos de la “Máquina para comer” donde nos plantea el automatismo total, el ser humano es simplemente un objeto al que el robot debe “embutirle” sus alimentos, inutilizando sus manos, lo cual nos causa mucha risa, pero que es un cuestionamiento a la mecanización industrial.
Acompañado de Paulette Goddard, la chica de la cual se enamora, otra apátrida como él, que no tiene techo ni comida, que tiene que robar para subsistir, nos muestra la parte sensible de la cinta, la cual no podía dejar por fuera, ya que es su sello característico: poner una luz de esperanza en sus películas y demostrar que la fraternidad, el amor y los sentimientos están por encima de todo lo negativo que pueda pasar en el mundo.

El apartamento

La escena más famosa de preparación de espaguetis en el cine la tiene esta película en la cual el protagonista C.C. Buxter (Jack Lemmon) es un sencillo empleado de una gran empresa en Nueva York, un hombre sin ningún talento, pero que aspira a escalar posiciones ganándose el favor de sus jefes, a costa de su propia privacidad, prestando su apartamento para que ellos lleven a sus amantes, dejándose manipular a cambio de un ascenso en ese monstruo de organización en donde hay que hacerse notar de alguna forma para poder darse a conocer.


La historia contada en un guión escrito por el mismo director Billy Wilder, quien la escribió en compañía de I.A.L. Diamond, tiene realmente más de tragedia que de comedia, pero manejada de una forma deliciosa, nos hace reír, no sin cuestionarnos y dejarnos ese mensaje de soledad, y falta de identidad que tiene el mundo moderno, llevando al individuo a ser una ficha más en una gran oficina en donde hay que estar totalmente automatizados para que todo el engranaje gire en forma perfecta, en donde los números y las estadísticas cuentan más que el hombre mismo.



Es una historia de amor atípica, sin besos y sin demostraciones apasionadas. Los protagonistas llegan a identificarse porque ambos son seres faltos de amor, y victimas del sistema frio e inhóspito en el cual están metidos.

Grandiosa película del director Wilder, que fue merecedora a cinco Oscares de la academia (1960), entre ellos el de mejor película y mejor guión original. Filmada en blanco y negro y protagonizada por dos grandes actores como son Jack Lemmon y Shirley MacLaine, está catalogada entre las cien mejores películas de todos los tiempos.

Ciudadano Kane (Kane Citizen)

Filmada en 1941 en plena segunda guerra mundial, esta película ha sido considerada como la mejor de todos los tiempos. Película magistral, Orson Welles tenía 26 años cuando la dirigió y además fungió como actor principal, uno de sus mayores aciertos.

Ocupa el primer lugar en todas las listas (AFI-American Film Institute, Revista Sight & Sound, entre otras)honor que se debe primero al excelente guión - Escrito por Herman Mankiewicz y Welles, basado en la vida de William Randolph Hearts- y al hecho de que introdujo nuevos métodos en el cine, como fueron: tomas desde sitios muy altos, lo cual da una imagen panorámica quizá antes no lograda, por primera vez se puede ver a través de los techos de las casas, encuadres en picada y contra picada poco comunes en la época, muy buen manejo de cámaras, contraluces que dan un enfoque artístico a la escena. Aplica una nueva forma de profundidad de campo, que permite también ver los primeros planos y los planos medios. Se rodó en blanco y negro, durante 3 meses, de julio 30 de 1949 hasta octubre 23 de 1940. Se estrenó en mayo 1 de 1941. Nominada a nueve Oscares, ganó solo uno: “Guión original”.

A continuación de la primera toma nos muestran un documental, donde un grupo de periodistas pretende resumir la vida de Kane, para proyectarlo en el cine. Este documental está realizado con mucho cuidado ya que cuando recrea los primeros años de la vida de Kane, lo hace con las imágenes del cine mudo (18 imágenes por segundo) lo cual le daba una sensación de movimiento muy rápido a la escena. Y cuando llega a 1935 ya vemos un movimiento normal en los personajes (24 imágenes por segundo). Este registro es importante ya que nos ubica en lo que será el resto de la historia.

La película da un toque de esperanza cuando pone en labios de Charles Foster Kane la frase “Conversé con los dirigentes a cargo de Inglaterra, Francia, Alemania e Italia. Son demasiado inteligentes como para hacer algo que significaría el fin de la civilización. Se lo aseguro, no habrá guerra”. Esta frase se encuentra dentro de un reportaje que le hacen a Kane en 1935, dentro de la retrospectiva que muestra su vida.

Partiendo de la palabra “Rosebud” que fue la última que pronunció Kane antes de morir, la historia se devuelve para mostrarnos su vida, sus relaciones con sus dos esposas, sus ambiciones en la política y como magnate de los medios de comunicación, sus aficiones a coleccionar objetos de arte. Pero sobretodo nos dibuja el ser humano y su conflicto existencial. Tal vez su insatisfacción a pesar de tenerlo todo. Desde que se sintió todopoderoso quiso manipular todo a su amaño, y fue más vale la vida la que lo manipuló a él?

An Affair to Remember (Algo para recordar)

Esta es la película romántica por excelencia. Toda esa emoción que le imprimen estos dos actores, Cary Grant y Deborah Kerr hacen una deliciosa comedia que se disfruta cada vez que se ve. La atmosfera perfecta: un crucero muy elegante, donde todo se puede dar, incluyendo la visita a la abuela en una isla donde ancla el barco. El lenguaje cortés de la época (1957), la música, el vestuario, todo esto se confabula en esta historia de amor. Al cantar, la voz de Deborah Kerr fue doblada por Marni Nixon, quien ya le había prestado su voz a la actriz en The King And I (El Rey y Yo) el año anterior.

El Empire State Building se luce como el verdadero ícono de Nueva York que ha sido y que sigue siendo a través de los años. Construido en 1931, fue el edificio más alto del mundo hasta 1972, cuando se inauguraron las Torres Gemelas. Una vez destruidas en el 2001, el Empire State volvió a ocupar un lugar destacado, y en la actualidad se encuentra en el puesto número nueve entre los más altos del mundo.
Aunque muchas películas que se han filmado le han dado un lugar especial al edificio, “An affair to remember” es la que más lo destaca, porque ayuda a subrayar ese aire de nostalgia que se respira durante todo el film.

Calificación: 8/10.

Ladrón de bicicletas (Ladri di biciclette)

Filmada en 1948, tres años después de haber terminado la Segunda Guerra Mundial, Roma es una ciudad con muchos problemas. La pobreza y el desempleo imperan en la ciudad. En Val Melaina, barrio nuevo de la periferia de la ciudad, habitado por pobres, vive Bruno Ricci (Lamberto Maggiorani)con su familia. Ese día se presenta a pedir trabajo y obtiene uno como instalador de carteles en la ciudad, pero para ello es indispensable que tenga bicicleta. Frustrado llega donde su mujer a darle la noticia, pues él ha empeñado la bicicleta para poder comer. A costa de las sábanas de su casa, consiguen el dinero para recuperar la bicicleta, la cual es robada al otro día, mientras pega un cartel de Rita Hayworth. La película se centra en este primer día de consecución de trabajo y en los dos días siguientes, donde el protagonista y su hijo se dedicarán a buscar la bicicleta por toda Roma.

Película que ha sido catalogada varias veces dentro de las diez mejores películas del cine. Victorio de Sica conoció la gloria gracias a ella, para la cual contrató a personas del común que nunca habían actuado, pues quería darle un sentido más real a su historia. La caracterización realista tanto del padre como de su hijo en la interpretación de este drama de dolor, son las características de esta excelente película, que nos comprueba que a pesar de los años lo que es auténtico sobrevive aun a la más avanzada tecnología.

Calificación: 9/10.

8 ½ de Fellini

Comentario por : Gloveta
El director Guido Anselmi (Marcello Mastroianni) sufre una crisis creativa. Se encuentra dentro de la filmación de una película, con productor, asistentes, artistas, escenografía, todo andando, pero él no sabe qué hacer. Se le ha quedado la mente en blanco. Esta película surrealista describe el difícil proceso de la realización. Mostrándonos valiosos artilugios como la escena inicial cuando Guido se encuentra dentro de su auto en un trancón de tráfico y su desespero es mayor cuando el carro empieza a echar humo, y él no puede salir, está totalmente atorado, mientras las personas de los carros vecinos se limitan a mirarlo. El decide salir con la imaginación. Primero camina sobre el auto y luego se va volando.

Esta primera escena da la pauta para la película: el director se mantendrá todo el tiempo viviendo por un lado dentro de su imaginación y sus recuerdos de niñez, y por el otro dentro de sus propias mentiras. El acoso del productor, el escritor de cabecera presionándolo, además de todas las mujeres de su vida (las actuales y las del pasado), hacen que Guido no sepa cómo manejar la situación, lo que se evidencia más en la entrevista con los periodista, en la que decide meterse debajo de la mesa “para pensar lo que voy a decir” que es el sumun del conflicto. Pero este mismo mundo de sus miedos y sus recuerdos le dan la pauta para que pueda realizar el film, uniendo al final todos los personajes para una gran presentación en la “gran torre” de utilería construida para este maravilloso film.
Vale la pena anotar que para Fellini “La vida es una fiesta” y así nos lo hace saber a través del festivo maestro de ceremonias y los payasos que conforman una banda cuya música (de Nino Rota) es inolvidable.
Muy buena película, ganadora en 1963 al Oscar de mejor película extranjera y calificada en varias listas (Revista Sight & Sound) como una de las diez mejores de la historia del cine.

Calificación: 9/10

Casablanca

Comentario por: Gloveta
Ganadora en 1943 a tres Oscares de la academia: Mejor guión adaptado, mejor director y mejor película, “Casablanca” es el clásico por excelencia. De acuerdo a la lista de American Film Institute, está catalogada como la tercera mejor película en la historia del cine (precedida por “Ciudadano Kane” y “El padrino”.


Cuenta la historia del “Café de Rick” situado en Casablanca, República de Marruecos. Después de la segunda guerra mundial, los europeos que lograban escapar, llegaban a Casablanca deseosos de encontrar la forma de emigrar a Lisboa (Portugal) que era la ciudad libre, desde donde podían volar hasta Norteamérica. Todo el que necesitaba un boleto, iba donde Rick (Humphrey Bogart), y allí en medio de noches de licor y casino, se hacían los negocios para adquirirlos.
Tras la fachada de hombre impenetrable, se esconde un ser dolido por un amor frustrado en Paris, que se malogró el día de la invasión a la ciudad, donde él tuvo que emigrar para salvarse. La dama en cuestión es nada menos que Ilse (Ingrid Bergman), una bella mujer que aparece en el momento menos pensado («De todos los bares en todos los pueblos en todo el mundo, ella entra en el mío») removiendo el pasado.
Filmada en blanco y negro, totalmente en interiores y en sets prefabricados(las únicas escenas filmadas en exteriores, se rodaron en el aeropuerto Van Nuys de Los Ángeles) esta joya del cine nos deleita cada vez que volvemos a verla. Su música es fascinante, el personaje del pianista (Dooley Wilson), interpretando a Sam, quedó para siempre en la memoria del cine. Aunque realmente no es él quien toca el piano, su actuación es fantástica y la frase «Tócala una vez, Sam, en recuerdo de los viejos tiempos» hizo carrera, y es una de las frases más recordadas en la historia del cine.

Otra característica de la película es el beso más famoso del cine, entre Humphrey Bogart e Ingrid Bergman. Escenas inolvidables de películas que han marcado historia.
Calificación: 10/10

Breakfast at Tiffanys

Una deliciosa comedia filmada en los años 60´s que es todo un clásico. Es de las películas que no pierden vigencia y aún hoy podemos verla y disfrutarla plenamente. La historia de dos arribistas que se instalan en Nueva York queriendo devorarse el mundo y viviendo a expensas de los demás, aun a costa de cualquier cosa… claro que los personajes son inteligentes porque se instalan por lo alto, en medio de la “high society”. El personaje de Holly Golightly (Audrey Hepburn) es de los más famosos del cine. Representa a una alocada jovencita, deseosa de conseguirse un marido millonario, que vive en las mejores fiestas de la ciudad, haciendo relaciones para poder conseguir su objetivo y de paso dinero para vivir. Su sueño además es conseguir un bello diamante de la Joyería Tiffanys de Nueva York, y frecuentemente se para ante la vidriera. Paul Varja (George Peppard, el compañero de Míster T en “Los Magníficos”), es un joven escritor, que apenas ha publicado una novela – que nadie conoce- y además vive a expensas de una decoradora de interiores quien le paga la renta, la ropa, etc.
Este par de personajes tan parecidos entre sí por el deseo de primar dentro de la sociedad neoyorquina, con sus deseos de riqueza y figuración, se encuentran como vecinos y unen sus soledades para formar una amistad sincera donde cada cual se muestra tal cual es, sin esconder nada y es allí donde nace el romance.
La música de la película es de antología con la canción de fondo “Moon river” compuesta por Henry Mancini (recuerdan la música de la “Pantera Rosa”?). La escena en que Audrey Hepburn la canta acompañada de una guitarra es de las partes más lindas de la película.
Calificación: 8/10

De aquí a la eternidad (From here to eternity)

Película que nos relata las vivencias de un escuadrón de militares norteamericanos, apostados en la isla de Hawái durante la segunda guerra mundial. Se centra en las relaciones de los soldados, sus experiencias y el modo de subsistir en la isla, retratando los últimos días antes del ataque de los japoneses a Pearl Harbor.
Una de las mejores películas en la historia del cine. Realizada en 1953, y ganadora de 8 Oscar de la Academia, fue filmada en Oahu la isla más poblada de Hawái. El director hizo un gran esfuerzo para recrear la belleza del paisaje natural de Hawái, pero también el manejo de los interiores, los que se aprecian tan bien en este tipo de películas en blanco y negro, donde la luz es la que juega el papel más importante. Vemos la dedicación del director por conseguir encuadres perfectos, por ejemplo los que logra cuando los enamorados se encuentran en la banca de la playa, con un marco extraordinario para resaltar la imagen.
También consigue muy buenas tomas cuando el ataque aéreo al final de la película, dándole una credibilidad total a la escena. Es un clásico por excelencia, filmada en blanco y negro, la pulcritud de las imágenes la hizo merecedora al galardón de Mejor fotografía en Blanco y negro (uno de los 8 premios que ganó).
Es la película que contiene la escena más famosa de un beso en el cine. Se trata del beso en la playa protagonizado por Burt Lancaster y Deborah Kerr, que aun después de tantos años, no ha sido superado y continua vivo en la memoria tanto de los directores de cine como de los espectadores.

The Shawshank Redemption (Sueños de fuga)

Andy Dufresne (Tim Robbins) es declarado culpable por un crimen que no cometió: el asesinato de su esposa y su amante. Es así como va a parar a la prisión de Shawshank donde debe pagar doble cadena perpetua. Desde el momento de su recibimiento él percibe el clima tan agobiante que se respira en el penal. El director y sus secuaces maltratan a los presos con castigos físicos violentos, los cuales muchas veces los llevan a la muerte. Con una fortaleza espiritual inigualable, Andy se mantiene firme en su sueño de escapar, sueño que es muy personal y no lo comenta con nadie, pues a pesar de su gran amistad con Red (Morgan Freeman), nunca habla de ello. Solo algunas frases como "La esperanza es una buena cosa, y las buenas cosas nunca mueren".
Red lleva ya veinte años en prisión en 1947, año en el que ingresa Andy. Es un hombre “institucionalizado” como el mismo se llama. Tiene la fortaleza de conseguir cualquier cosa para sus clientes internos, desde cigarrillos hasta un afiche de Rita Hayworth que le consigue a Andy. También le consigue un martillo para tallar figuras en piedra que es el pasatiempo de Andy y lo que lo ayuda a sobrevivir en esa horrenda celda.
La amistad de estos dos hombres tan distintos en su formación y principios será clave para el apoyo mutuo, pues cuando transfieren a Andy al cargo de bibliotecario llevará a Red como ayudante y cuando Red consigue que lo asignen para trabajar en la reparación del techo de uno de los edificios también llevará a su grupo de amigos, entre los cuales por supuesto está Andy.
El tiempo en el cual se desarrolla la historia es muy largo (veinte años), sin embargo la trama está muy bien montada y nunca se encuentran baches o situaciones que hagan perder el hilo de la misma. Además de la impecable actuación de los dos protagonistas, que podemos decir son unos verdaderos maestros del arte de la personificación escénica.
Esta película filmada en 1994, es tan impactante y bien realizada que está catalogada como la número 1, en la lista de Top 250 Movies of All Time de IMDb, como un merecido tributo a esta historia basada en el cuento de Stephen King: “Rita Hayworth y la redención de Shawshank”. Fue nominada a siete premios Oscar, desafortunadamente no ganó ninguno porque ese año “Forrest Gump" arrasó con los premios.