Candelaria

Candelaria película de Johnny Hendrix Hinestroza, director de cine chocoano que nos entrega su tercera película después de las dos primeras: Chocó (2012) y Saudó (2016).

Es una historia de amor otoñal, demostrándonos que el amor está presente a cualquier edad. Esta pareja conformada por Candelaria (Verónica Lynn) y Victor Hugo (Alden Knigth), quienes llevan toda la vida casados, empiezan a reencontrar su sexualidad a raíz de un suceso inesperado.

Es importante resaltar las virtudes de Hendrix como director ya que se aventura a filmar una película fuera de su propio país, haciendo fusión con productoras internacionales. En esta oportunidad filma en Cuba, con actores reconocidos y de amplia trayectoria.

Hendrix logra un manejo tierno y sutil del tema, logrando una excelente dirección de actores, creando escenas de desnudos e intimidad con un decoroso manejo del tema, sin extralimitarse y con mucho tacto. A pesar de la aridez del entorno, mostrando una situación económica dura (años 80-90), logra combinar tanto escenas de interiores como las presentaciones de grupos musicales, como exteriores, con tomas del malecón y del bello mar, que rescatan los sentimientos de los protagonistas.

De especial importancia la banda sonora detrás de la cual está el talento de Álvaro Morales, caleño que está triunfando a nivel mundial en esta especialidad de música para cine.

Felicitaciones para Hendrix y todo su equipo.

Jhonny Hendrix Hinestroza

Pájaros de verano

“Pájaros de verano” la película de Cristina Gallego y Ciro Guerra es un film que llega después de las otras realizaciones: “El abrazo de la serpiente” (2015) , “Los viajes del viento” (2009), “La sombra del caminante” (2004). Esta película reafirma a Ciro Guerra como el mejor director de cine colombiano en la actualidad, con la colaboración de Cristina Gallego.

La fotografía de David Gallego, es un trabajo impecable aprovechando al máximo la belleza del paisaje guajiro. La sensación que yo tuve al ver esta película es que esperaron días enteros para tener la luz perfecta para filmar, un trabajo donde se agradece a la cámara todo este derroche de luz que nos presenta, que hace que conozcamos una parte de Colombia casi desconocida.

La película es hablada en el idioma wayuunaiki como un rescate a nuestra multiculturalidad, resaltando los valores de los guajiros, mostrándonos sus costumbres: el momento de enterrar a sus muertos, el momento de la llegada de la pubertad en la niña, la importancia de la mujer como cabeza del clan y algo que me llamó mucho la atención la importancia del palabrero dentro de los clanes.

Nos cuenta la historia de del narcotráfico en la época en que se cultivó la “Santa Marta Golden” que fue el nombre que le dieron a la marihuana cultivada en la Sierra Nevada de Santa Marta y los desastres a los cuales puede llevar la ambición, sacrificando todas las convicciones y valores de un pueblo, poniendo en riesgo no solo la familia propia, sino todo el clan, sacrificando sus antepasados y sus creencias más arraigadas en pos de un dinero que solo trajo miseria.

Es una película totalmente recomendada.

Ciro Guerra

La mansión de Araucaima

Título original

La mansión de Araucaima

Año

1986

Duración

85 min.

País

 Colombia

Director

Carlos Mayolo

Guión

Carlos Mayolo, Julio Olaciregui, Sandro Romero Rey (Novela: Álvaro Mutis)

Música

Germán Arrieta, Carlitos Gómez

Fotografía

Ricardo Lalinde

Reparto

Adriana Herrán,José Lewgoy, Vicky Hernández, carlos Mayolo, Alejandro Buenaventura, Luis Fernando Montoya, David Guerrero, Luis Ospina. 

Productora

FOCINE / Producctiones Rodaje Ltd.

 Comentario por: Gloveta

Filmada en 1986, en una hacienda cerca a Santander de Quilichao, es todavía una película muy vigente hoy en 2016. Esta película del director Carlos Mayolo, se ha convertido en una cinta de culto y en un referente del cine colombiano.

Película basada en un libro de Alvaro Mutis, quien escribió el relato en 1973 y  le entregó el guión a Luis Buñuel para que hiciera la película. Por alguna razón esta no se llevó a cabo. Años después el guión fue entregado a Carlos Mayolo, para que hiciera la película. De lo cual se encargó él con su “Grupo de Cali”, conformado por Mayolo, Sandro Romero, Luis Ospina, Miguel González, entre otros.

La Mansión de Araucaima, es una casona detenida en el tiempo, donde conviven cinco hombres con la Machiche, mujer que comparte sus encantos con todos los habitantes de la casa, y donde todos son mantenidos por don Graci, el dueño. Es la versión gótica de la novela adaptada al trópico. Pero vendrá una intrusa a descomponer el cuadro ideal de vida en la casona.

Muy buena versión de película con excelente actuación de Vicky Hernández (la Machiche).

Carlos Mayolo

Mateo

Título original:            Mateo

País:                         Colombia

Año:                         2014

Duración:                 89 minutos

Directora:                 María Gamboa

Guión:                      Adriana Arjona, Maria Gamboa

Comentario por: Gloveta

Una excelente realización. Pocas veces el cine colombiano nos ha sorprendido tan gratamente. Tratándose de un tema tan delicado, tan duro, María Gamboa sabe conducir esta película con mucha dulzura.

Rodada en Barrancabermeja, con el río Magdalena como telón de fondo, con unos bellos paisajes naturales y un excelente manejo de la luz, en forma especial en las escenas de teatro, este film basado en la cruel realidad que se vive en muchas partes del país, explotando el tema de la "vacuna", creando dependencia y miedo entre los más necesitados, entre los que solo sobreviven el día a día, sin esperar ningún futuro, esta obra ahonda en la raíz del problema, por qué se da este fenómeno social, por qué un chico decide pasar a engrosar las filas de “cobradores” a sueldo.

Para realizar un guión cómo este, hace falta conocer a fondo el territorio  y sus gentes. Y este guión logra su cometido de una forma auténtica, lo cual es reforzado con la participación de actores naturales, jóvenes de la región que hicieron un buen papel, con lo cual se consiguió una puesta en escena muy natural y convincente.

Felicitaciones para Carlos Hernández (Mateo) por su actuación y para María Gamboa (directora), por atreverse a hacer un largometraje con bajo presupuesto, en corto tiempo y logrando esta magnífica película!

María Gamboa- Directora

Amores peligrosos

Comentario por: Gloveta

Esta es la segunda entrega de la trilogía de Antonio Dorado, inicialmente se iba a llamar “La Reina”, pero  decidió cambiar su nombre por “Amores Peligrosos”. Aunque algunos la han catalogado como una película más sobre el narcotráfico, se debe valorar el gran trabajo del director, su impecable manejo de imagen, excelente fotografía, escogencia de locaciones, en fin, la pasión por su trabajo.

Dorado se esfuerza por mostrar una linda ciudad de Cali. Imágenes como las de la Avenida Colombia, filmada en la hora que el sol acaricia a Cali con todo su esplendor, o la del cerro de Cristo Rey, donde la cámara nos va llevando de abajo hacia arriba para mostrar toda la imponencia de un monumento que domina la ciudad. Las escenas del puente en una clara referencia a la película “Saturday Night Fiver” donde se mezclan la grandeza del puente y el juego con la muerte.

El elenco bien concebido, no es primera vez que Antonio dorado trabaja con Marlon Moreno quien hace una buena caracterización del personaje. La nota negativa de esta cinta está marcada por una deficiente actuación de Juanita Arias, a quien le falta madurar como actriz. No transmite sentimiento, es fría y nada convincente. Con una buena protagonista, estoy segura que la película hubiera arrasado en taquilla.

Todos tus muertos

Película colombiana año 2011

Director: Carlos Moreno

 A pesar de que se le ha dado tanto crédito a la película “Todos tus muertos” y un reconocimiento internacional: “Mejor fotografía, Competencia internacional de Ficción, Festival de cine de Sundance 2011”  adolece de un argumento creíble. Aunque está diseñado para ser un poco “surrealista” con algunas situaciones donde el director ha colocado su toque de irrealidad, por ejemplo en el tratamiento que se da a  los muertos, que están muy limpios y se comportan como si estuvieran vivos, el guion tiene muchos vacíos tanto interpretativos como argumentales.

La actuación muy deficiente, parca, faltó que cada uno se metiera en el personaje. Los actores están demasiado quietos, mirando constantemente la cámara. El efecto de suspenso que se quiso poner en la escena central donde el alcalde, los dos policías y el campesino están pensando qué hacer para deshacerse de semejante problema, es un tiempo muerto, sin acción, sin reflexión. Existe un momento de tensión cuando se decide que uno de los cadáveres hay que sacarlo del montón por pertenecer al pueblo, pero este momento se queda allí, no tiene desenlace.

El tema es bueno y se le habría podido sacar mejor partido. Pero no se supo manejar. Como espectadores nos quedamos sin saber si era una denuncia, la recreación de una historia, el retrato de un pueblo el día de elecciones, o cuál era el fin principal.

Sin Amparo

Jaime Osorio Gómez realizó este largometraje en 2003, con la calidad a la cual estaba acostumbrado. Con un manejo de cámaras impecable, así como las luces, las locaciones, cuidando los pequeños detalles.

Dos hombres se enfrentan ante el hecho que han perdido la mujer que aman: uno perdió a su esposa y el otro a su amante. Después de la muerte de Amparo, y debido a las flores frescas que permanecen sobre su tumba, Rodrigo (Germán Jaramillo) lleno de celos se dedica a buscar al amante de su mujer. Después de seguirle la pista al fin lo halla (Luis Fernando Hoyos) y tras el primer agresivo  encuentro, la ira se va transformando en una búsqueda conjunta tratando de entender quién era en realidad  la mujer que amaron. Dos mundos tan opuestos, los dos mundos de los que provienen estos personajes, nos alejan más del conocimiento de Amparo, el cual se hace ajeno hasta para los propios hombres que compartieron su cama.

Diríamos que el hilo conductor de esta cinta, son las flores azules “No me olvides-de los enamorados”, que es el hito que desencadena esta búsqueda.

Esta Coproducción Colombia-España-Venezuela, podría ser perfecta, si no tuviera el inconveniente de la actuación. A los actores principales en momentos les falta fuerza y los secundarios simplemente recitan sus líneas ante la cámara sin meterse en la piel del personaje. Este es el detalle que le quita profundidad a la cinta y evita que se ubique entre una de las principales de nuestro cine.

PURA SANGRE

Del director Luis Ospina, esta película de 1982, tiene grandes  elementos a favor,  buen argumento, buena dirección y buenos actores. Aunque la historia es basada en hechos reales, el director y su guionista hacen uso de su fantasía para incluir en ella escenas que son solo de su creación,  las cuales poseen  un fuerte contenido. Además mezcla historias como son las de la muerte de dos jóvenes, crimen que le adjudicaron a José Luis Correa, con la historia del “Monstruo de los Mangones”.

Filmada en Cali, en locaciones muy representativas de la ciudad, con personajes bastante caricaturescos que resaltan el acento de los vallunos, sus dichos y  sus tradiciones.  Lo mejor de la película sin duda es la actuación de Carlos Mayolo, quien nos hace reír con su personaje, en medio de la tragedia que representa la película. Es una buena representación de la dupla conformada por Luis Ospina y Carlos Mayolo, pioneros del cine nacional.

GARCÍA

Es una descripción del estado de infelicidad al que puede llegar una pareja debido a la estrechez de condiciones de vida. Presenta  una situación inverosímil, donde el marido es feliz en su estado y la mujer totalmente infeliz. Esta historia es un poco absurda dado que en una pareja no es posible que una persona sea tan ciega y obcecada para no ver lo que está pasando con el otro.

Grabada en Bogotá en varias locaciones, lo mejor de la cinta son  las escenas grabadas tipo road movie, donde el protagonista recorre la ciudad en bicicleta, algunas veces con su mujer en la parrilla. Estas escenas están muy bien hechas, filmadas con gran acierto y belleza.

Respecto a la actuación sobresale el protagonista Damián Alcázar (García)  quien va creciendo su personaje a medida que pasa la película,  de ingenuo y tímido, se va revistiendo de valentía en la medida en que crece su dolor. La actuación de Margarita Rosa de Francisco (Amalia), muy pobre, poco creíble. Nos ha tenido acostumbrados a desarrollar mejores papeles como en su anterior película “Paraiso travel”.

El final abierto no es el mejor para esta historia.

La sombra del Caminante

Pelicula colombiana. Director Ciro Guerra.

Es un canto a la esperanza. Aun en las peores circunstancias a las que esté sometida una persona, siempre hay una luz, una mano amiga que puede surgir del sitio menos esperado. Esta es la opera prima del director colombiano Ciro Guerra, quien de una forma poco frecuente en nuestro tiempo, hace esta película en blanco y negro, logrando un bello manejo de la imagen, las luces, las sombras. Las imágenes de la noche, son bellísimas pues tienen ese atractivo que es poder ver la escena a través de una oscuridad casi total. Las tomas  a través de la lluvia, en donde podemos percibir la cámara caminando detrás de las gotas que caen, es una imagen que nos conecta con el sentido del film, que resalta los detalles más pequeños, como simbolizando que en esos pequeños detalles está la magnitud del ser.

Observar como el silletero comparte su cambuche y su taza de agua que es lo mínimo que posee, con un extraño  al que se encontró desvalido en el camino y que simplemente quiere ayudar, es un mensaje de optimismo y de fe en el ser humano.

La hermosa banda sonora con un piano magistralmente interpretado es el complemento perfecto para este juego de imágenes que nos regala un excelente director como es Guerra.

Esta película participó en el 2003 en el Festival de San Sebastián, en el apartado de Cine en Construcción y se ganó el premio. Esto le permitió terminar su filme y volver a aparecer en San Sebastián pero ahora en la categoría de Nuevos Directores con  otra de sus grandes obras “Los viajes del viento”. Películas ambas con el mismo corte de reconciliación con la vida.

Los colores de la Montaña ( The colors of the mountain)

Del director colombiano Carlos César Arbeláez, nos llega esta película para reflexionar, y ver más de cerca la realidad. Basada en el guión escrito por él mismo, nos muestra con pinceladas muy concretas como es vivir en medio del conflicto bélico que coexiste en las montañas y selvas de nuestro país.


La verdad de cómo es el día a día en un caserío oculto en las montañas, en donde se vive de los frutos que da la tierra y de los animales que se crían en la propia finca, pero donde los recursos son escasos, tal como la falta de maestra, la falta de dinero para comprarles zapatos a los hijos, y muchas otras carencias, a las que el habitante del campo se acostumbra y se adapta.

Si a esta situación de pobreza se le suma que el campesino solo sabe trabajar en su finca, y además que ame su tierra por encima de todo, entendemos por qué no quiera salir de su terruño, por qué no quiera convertirse en un desplazado más de los miles que se han sumado al número de desempleados del país.

“Los colores de la montaña” nos invita a realizar una mirada sobre esta situación triste y desgarradora, esta vez bajo los ojos inocentes de unos niños que solo quieren jugar futbol y dentro de su ingenuidad no entienden el conflicto.

Película muy bien lograda, tiene pocas escenas de violencia, y sin embargo logra a la perfección su cometido, obteniendo un gran retrato de la realidad.

Carlos Cesar Arbelaez su director, fue invitado para abrir con su película el Festival de Cine de Cartagena en febrero de 2011, como también ha sido invitado a distintos festivales: Italia, Eslovaquia, Suecia, Brasil, Argentina, Cuba, India y Turquía, Cinema Novo Festival (Bélgica), el Festival de Fribrugo (Suiza), el Festival de ZLÍN (República Checa), el Miami International Film Festival (Estados Unidos) y el Chicago Latino Film Festival (Estados Unidos). Méritos de sobra  para inaugurar el FICCI.

Los viajes del viento (The wind journeys)

Comentario por: Gloveta
Ignacio es un juglar vallenato reconocido por su maestría en la interpretación del acordeón. Cansando de su vida andariega, decide emprender un viaje para devolver el viejo acordeón a su maestro. Esto implica un viaje a través de cinco departamentos colombianos hasta llegar a la alta Guajira. Para transportarse solo cuenta con un burrito en el cual hace la travesía. Cuando va saliendo del pueblo se le une Fermín un muchacho cuyo ideal es ser músico y llegar a ser como él. Ignacio trata por todos los medios de hacer desistir a Fermín de la idea de convertirse en juglar. A pesar de esto, Fermín aprende a comprenderlo y nace entre ellos un sentimiento de amistad que se reviste de solidaridad y ayuda mutua.

Todas las aventuras que viven juntos están enmarcadas por el gran paisaje de esta zona de Colombia, donde la luz es la gran compañera de los viajeros. Una luz que destella y a través de la cual se puede ver el panorama a lo lejos, pues hay escenas bellísimas como las que se lograron en la Serranía de Perijá, donde se puede ver toda la geografía del entorno en un radio de muchos kilómetros. Y qué decir de la escena más linda y conmovedora de toda la película: un indio arhuaco tocando su flauta sentado sobre la nieve en la Sierra Nevada de Santa Martha y frente a él Ignacio Carrillo tocando su acordeón : que melodía más sentida y más bella! Esta toma es de antología y solo con ella merece el galardón!

Esta es la segunda película filmada por Ciro Guerra, director colombiano de 28 años de edad, nacido en Rio de Oro (Cesar).Filmada en 80 locaciones: el Cesar, La sierra Nevada de Santa Martha, el desierto de la Guajira, la Serranía de Perijá, ,la Sabana de El Paso y la Ciénaga de Zapatosa. La película es hablada en cuatro idiomas: Español, Bantú (del Palenque), en el lenguaje Ikn-Arhuacoy Wayunaiky(comunidad Wayuu), para dar testimonio de la diversidad étnica de la región. Ha sido seleccionada para representar a Colombia en el festival de Cannes en la sección “Una cierta mirada”, derecho más que merecido por tan excelente trabajo.

Calificación: 10/10.

MARIA CANO

Comentario por: Gloveta
La historia se sitúa en Colombia en los años veintes, llega dinero por la indemnización recibida de Estados Unidos por el Canal de Panamá. Crecen las empresas y con ellas las masas de trabajadores. Pero estos tienen que trabajar turnos de diez y seis horas, que era el régimen laboral heredado de la época colonial. Un grupo de líderes integrado por Raúl Eduardo Mahecha (Jorge Herrera), Tomás Uribe Márquez (Diego Vélez), Ignacio Torres Giraldo (Frank Ramírez) y María Cano (María Eugenia Dávila), se dan a la tarea de mejorar las condiciones de vida de los trabajadores.

Sin duda la mejor escena de la película es la que evoca “La masacre de las bananeras” ocurrida en Ciénaga el 5 de diciembre de 1928 y que es uno de los hechos que más ha marcado la historia de Colombia. El manejo del suceso está muy bien logrado. Los obreros se encuentran en una manifestación cuando la fuerza pública llega a disolverlos. Empieza la revuelta y la imagen de las personas se va oscureciendo hasta llegar al efecto de fundido en negro. Por unos segundos continúan los gritos de la muchedumbre tras ese fondo negro, se detiene en forma súbita el ruido y regresa la imagen. Entonces la cámara capta una gran cantidad de víctimas esparcidas por el suelo y policías recogiendo los cadáveres y montándolos al tren. Se escucha el sonido de las campanas repicando por los muertos.

La película tiene mucho valor, ha incursionado profundamente en la historia, se ha documentado para tener elementos precisos y poder ser más fiel a los hechos. El manejo de vestuario y adecuación de los escenarios a la época también vale la pena resaltarlo. La actuación de María Eugenia Dávila es muy buena, por algo está catalogada como una de las mejores actrices del cine colombiano. Esta película pertenece a las grandes que se han filmado en nuestro país.

Apaporis

Largometraje de 72 minutos. A partir del libro “El Río” del estadounidense Wade Davis, que revela la travesía del científico Richard Schultes por el río Apaporis, en el Vaupés, Antonio Dorado construye este documental, yendo tras los pasos de Schultes el norteamericano que el año 1941 llegó a la selva amazónica y allí convivió con los indígenas , estudiando sus modos de vida, sus medicinas y su idioma.
Empezando su recorrido en Mitú, capital del Departamento de Vaupés y llevando consigo las fotos que tomó Schultes , va tras el rastro dejado por el científico, para desentrañar la historia. En su recorrido al fin encuentra un nativo que reconoce los personajes de la foto.

Magnificas fotos del río Apaporis, bella música. Todo esto se podría mejorar cambiando la voz en off y reemplazándola por otra con tono más grato para el oído. De todas formas es un excelente trabajo de investigación sobre las etnias que sobreviven al pie de este magnífico río.

RETRATOS EN UN MAR DE MENTIRAS

Después de la muerte del abuelo, y el desplome de la casucha en que vivían, Jairo y su prima Marina, deciden viajar desde Bogotá hasta la Costa, en busca de las tierras que le fueron arrebatadas.
Esta película es sin lugar a dudas, una crítica muy profunda de los problemas de pobreza y desarraigo que existen en Colombia. Los desplazados, los que han perdido su tierra y se han visto obligados a emigrar a las grandes ciudades para acomodarse a coexistir en la miseria y sobrevivir a como dé lugar, con cualquier oficio, llevando siempre a cuestas el pasado, con dolores profundos ligados a los recuerdos de crueldad y angustia que les tocó vivir, seres que vieron matar a sus padres a manos de criminales, no importando de que bando fueran, todos han sido atropellados por la violencia.

Película que además de mostrarnos el problema social, recrea unos hermosos paisajes divisados desde la carretera que atraviesa buena parte del país, salpicados de ríos, cascadas y cultivos. Muy buena actuación de Julián Román y de Paola Baldión quien se luce en su papel de niña casi muda, totalmente miedosa, cargando el trauma de la pérdida de su familia, de la cual fue testigo siendo muy pequeña. En la película hay varias escenas sobresalientes manejadas con mucha altura por el director. Muchos primeros planos donde destacan estos dos personajes. Al final quedamos con desazón al ver la realidad en que vivimos, y duele saber que nos hemos acostumbrado a ello!

Calificación: 8/10.

EL REY

La historia situada en el Cali de los años sesenta, relata cómo llegó a la ciudad el negocio de la droga, contado a través de la historia de un personaje ya casi mitológico en la ciudad, pues de ser el humilde dueño de una pequeña cafetería, pasó a ser el propietario de un emporio de discotecas y a manejar mucho dinero.

La película narrada por el supuesto escritor que contrató el mismo “Rey” para que escribiera un libro sobre su vida, hace una buena ambientación de esa época y nos va contando la forma como el personaje logró llegar a los mercados de Estados Unidos y México, sin importarle ajusticiar a sus amigos, matar a su socio, enviciarse el mismo con su propia droga y al final pagar con su vida, en un afán de conseguir dinero y hacerse al respeto de sus secuaces.

En varias escenas nos recuerda a Scarface, la película en la que Al Pacino termina envenenado con su propia “mercancía”, asesina a su socio y lo más triste de todo, en ambos casos, las esposas también terminan adictas a una droga en la que sus maridos vieron una fuente de dinero, pero que no dimensionaron sus consecuencias funestas, las cuales en forma irremediable asumirían en carne propia.

Muy buena puesta en escena del director Antonio Dorado, quien partiendo de esta película, está construyendo una trilogía, de la cual muy pronto nos regalará la segunda parte: “La reina”, que ya terminó de grabar y la esperamos muy pronto en cartelera.

Calificación: 7/10.

EL VUELCO DEL CANGREJO

Película filmada en la localidad de “La barra” cerca de Ladrilleros, paraje situado al pié del mar Pacífico. Un turista llega buscando a “Cerebro” un personaje de la localidad y le propone que le de alojamiento a cambio de trabajo. Daniel (Rodrigo Vélez) se queda varios días en el sitio departiendo con sus habitantes, pero su meta es conseguir una lancha e irse del país. Mientras tanto el caserío es acosado por el “paisa”, quien quiere adueñarse de un sector de la playa, poner sus parlantes al máximo volumen y atraer turistas. Daniel hace una linda amistad con Lucía (Yisela Álvarez )niña de 9 años quien lo ayudará a lograr su objetivo.
El director de esta película Oscar Ruiz Navia ha alcanzado los siguientes premios: “Mejor nuevo director en el Festival de Palmas De Gran Canarias, “Exchange Award” en el Festival Internacional de Friburgo, Suiza, además del premio FIPRECI que otorga la Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica en el Festival Internacional de cine de Berlín en Alemania. Premio especial del jurado en el apartado de “Opera prima” en el Festival del nuevo Cine Latinoamericano en la Habana-Cuba.
La película es un mensaje a la tolerancia, la convivencia pacífica, la mirada a la forma en que viven otras comunidades. Tal vez un poco lenta en el manejo de la historia y creo se le habría podido sacar mucho más partido al paisaje natural, faltaron por mostrar muchos sitios estupendos del área, pero nos lleva a cuestionarnos sobre estereotipos preconcebidos.. podemos ser felices sin necesidad de mucho?

El sueño del Paraiso

La película “El sueño del Paraíso” del director colombiano Carlos Palau, más que una película es una obra para dar a conocer nuestro bello Valle del Cauca.Región por excelencia para recrear el espíritu a través de sus paisajes. Cuenta la historia de Juzo Takeshima, un japonés que por allá en 1920 descubre la novela “María” de Jorge Isaac, y a través de ella, se enamora de nuestra tierra, decidiendo arriesgarlo todo y trasladarse al otro lado del mundo, atraído por la belleza que en el libro se describe. Una vez instalado en Colombia, decide traer varios compatriotas suyos hasta acá y es así como se forma una de las colonias más importantes del sector que es la colonia japonesa arraigada en Palmira. Son los japoneses los que se dedican a trabajar la tierra y hacerla producir, maravillados por este suelo extraordinario donde se puede cosechar todo lo que en él se siembra. Este es un filme bien documentado, en el cual Palau trabajó con verdaderos descendientes de los japoneses que llegaron a nuestro país, razón por la cual los incipientes actores se facilitaron para ello, por sentirse halagados viviendo en carne propia las experiencias de sus antepasados. Explota la magnificencia del paisaje natural, además de filmarla en los sitios originales en que se desarrolló la historia: La hacienda El Paraíso, el muelle de Buenaventura, pero sobre todo siempre teniendo de telón de fondo el verde natural del Valle del Cauca, que hace vibrar a cualquiera que lo conozca y que lo sienta, así sea en película.